le Blog d'ISIS

26 février 2020

IKE AND TINA TURNER - " RIVER DEEP MOUNTAIN HIGT - 1968

MERCI A theturners71 - Ike and Tina Turner perform 'River Deep Mountain High in 1968 avec four Ikettes: Ann Thomas, Paulette Parker, Pat Powdrill and Jean Brown!!

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Anna Mae Bullock, dite Tina Turner est une chanteusedanseuseactrice et compositrice d'origine américaine et naturalisée suisse, née le 26 novembre 1939  (8Oans) à Nutbush (Tennessee).

Elle a remporté 12 Grammy Awards. Ses contributions constantes à la musique rock lui ont permis d'acquérir le titre de « Queen of Rock & Roll ». En plus du rock, elle s'est également illustrée dans le R'n'B, la soul, la dance et la pop music.

Elle figure sur la Rolling's Stone List : The Immortals, Greatest Artists of All Time et est également présente au Grammy Hall Of Fame, grâce à deux de ses plus fameux singles, River Deep, Mountain High (en 1999) et Proud Mary (en 2003).

Elle est aussi, d'après le Guiness Book of World Records; l'artiste à avoir vendu le plus de billets de concerts de l'histoire de la musique pour un artiste solo (environ 200 millions de places vendues). En 1990, Tina Turner effectue 121 concerts pendant sa tournée européenne Foreign Affair Tour (en). Cette tournée a été effectuée devant 4 millions de spectateurs, en tout juste 6 mois. De 1996 à 1998, sa tournée mondiale Wildest Dreams World Tour (en) a été donnée devant 3,5 millions de spectateurs en 250 dates.

Tina Turner est une des artistes les plus populaires du monde, avec des ventes dépassant les 200 millions d'albums. À ce jour, elle affiche au Billboard américain 7 Top Ten Singles et 16 US Top Ten R'n'B singles. Au Royaume-Uni elle compte 33 Top 40 dans le UK Singles Chart et tous ses albums depuis Private Dancer ont par ailleurs atteint le sommet des classements britanniques!! (TOUTE LA SUITE SUR WIKIPEDIA)

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24 février 2020

PAOLO CONTE - "BOOGIE" - " RÊVERIES"

MERCI A antoniomike   -  Paolo Conte : "Montreux Jazz Festival" en 1989 (Album "Paris Milonga" de 1981.) -   et " RÊVERIES!!

Au programme en janvier 2020, deux concerts à l’Olympia de Paris.

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Paolo Conte, né le 6 janvier 1937 à Asti, est un chanteurauteur-compositeur-interprèteparolier et instrumentiste italien fortement influencé par le jazz et le blues.! Il a un frère, Giorgio Conte (né en 1941) qui chante et compose également.

Il se passionne dès l'enfance pour le jazz américain et les arts graphiques, qui seront les principaux éléments à l'influencer par la suite. Dans sa jeunesse, il passe la plus grande partie de son temps, en particulier pendant la guerre, dans la ferme de son grand-père. Il explique plus tard que son éducation fut particulièrement favorable non seulement à la compréhension et au respect des gens mais aussi des coutumes et traditions locales italiennes.

À la sortie du lycée, il aurait voulu être médecin, mais pour des raisons pratiques il décide de faire des études de droit. Issu d'une famille de notaires, pendant vingt-cinq ans, Paolo Conte a été avocat et chanteur, menant de front les deux carrières.

                        Dans les années 1960, il perce dans le milieu musical, notamment en écrivant pour Adriano Celentano une ritournelle La coppia più bella del mondo et le succès mondial « Azzurro ».

En 1974, il sort un album intitulé simplement Paolo Conte et le public italien découvre sa voix éraillée. Il abandonne la robe et se consacre pleinement à un second disque homonyme en 1975.

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En 1979, avec Un gelato al limon, il se fait connaître du grand public. Il acquiert une renommée internationale qui se confirme en 1981 avec l'album Paris Milonga.

En 1982, il sort Appunti di viaggio et, face à son grand succès, décide de prendre un peu de recul et de faire le point. 

Deux ans après la sortie d'Appunti di viaggio, l'artiste se présente sur le marché du disque avec un nouveau 33 tours qui, pour la troisième fois, s'intitule tout simplement Paolo Conte

Très bien accueilli par la critique, le disque lance Paolo Conte sur la scène internationale. Suivent alors de nombreuses tournées, aussi bien en Italie qu'en France − cette France qu'il avait déjà ressentie par le passé comme lieu d'inspiration et de proximité culturelle −, d'où naîtra, un an plus tard, le double album Concerti, premier disque live publié par le musicien, avec des enregistrements provenant de concerts s'étant tenus le 28 mai 1985 au Teatro alle Vigne de Lodi, le 20 juin au Teatro Morlacchi de Pérouse et les 15 et 16 mars 1985 au théâtre de la Ville à Paris

              Concernant ses premiers concerts en France, Conte dira plus tard : « Paris a joué un rôle très important pour moi, c'est là que j'ai eu le premier rapport avec un public étranger. J'ai eu le privilège d'avoir été sollicité par les Français, plutôt que de venir forcer leur sensibilité pour me produire dans leurs salles. C'est eux qui sont venus me chercher ; ils m'ont proposé trois premiers spectacles au théâtre de la Ville, des spectacles que je n'oublierai jamais, parce que, quand je suis entré en scène, je pensais qu'il n'y aurait pas plus de cinquante spectateurs. Mais comme je me trompais ! Pendant trois jours, la salle affichait complet ». Et il commentera à une autre occasion : « Mon succès parisien et français en général m'a tout de suite ouvert les portes de toute l'Europe. Cela veut dire qu'un succès à Paris reste encore une référence primordiale, que Paris est une réalité culturelle reconnue : de là, j'ai pu aller en Allemagne, aux Pays-Bas, où j'ai rencontré l'écho le plus grand, et même en Angleterre, qui, comme on le sait bien, est un pays très difficile à conquérir, puis en Amérique et ainsi de suite... ».

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 Le comédien Pierre Santini a adapté en langue française les chansons de Paolo Conte, son « extraterrestre préféré, auteur et musicien de talent, poète incontesté qui sait si bien nous entraîner avec sa latinité exotique, sa pudeur, son regard vers la vie et l'amour, dans tous les méandres de l'âme humaine ». À l'ouverture de la saison 2009/2010, il inaugure au théâtre Mouffetard son concert intitulé Come di : Pierre Santini chante Paolo Conte.

en mai 2007, il reçoit de l'Académie des beaux-arts de Catanzaro le titre de Docteur honoris causa en peinture. L'artiste piémontais se voit ainsi conférer pour la deuxième fois une distinction pour sa « compétence reconnue dans le domaine de la peinture », comme il sera rapporté le jour de la cérémonie. Le musicien a d'ailleurs exposé à de nombreuses reprises ces dernières années, aussi bien en Italie qu'à l'étranger, souvent avec d'autres artistes, comme à l'exposition du Château Saint-Ange, qui a recueilli en 2006 des tableaux réalisés par Dario Fo, Paolo Conte, Franco BattiatoGino Paoli et Tony Esposito!

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  • Chevalier de la Grande Croix de l'Ordre du Mérite de la République italienne, à l'initiative du Président de la République, Rome, 24 mars 1999
  • Chevalier dans l'Ordre des Arts et Lettres, Paris, 15 mai 2001
  • Médaille d'or pour mérites dans le domaine de la culture et de l'art, Rome, 17 mars 2003
  • Grande médaille de Vermeil de la Ville de Paris, Paris, 26 janvier 2011
  • Doctorat honoris causa en lettres modernes, « pour avoir traduit en un langage hautement original, riche en trames textuelles et poétiques, des personnages, des lieux, des situations, des histoires, des atmosphères de l'imaginaire de notre temps », Université de Macerata, 4 avril 2003.
  • Doctorat honoris causa en peinture, « comme reconnaissance pour son expérience personnelle et sa compétence hautement célébrée dans le domaine de la peinture, notamment pour son œuvre multimédia Razmataz », Accademia di belle arti di Catanzaro, 24 mai 2007(TOUTE LA SUITE SUR WIKIPEDIA)

 

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22 février 2020

ANGELO BRANDUARDI - 2020 - "Alla fiera dell'est...tutti insieme"

MERCI A Angelo Branduardi  - "nulla vi sarà risparmiato " (cit. Angelo Branduardi) Il Cammino dell'Anima Tour Bergamo, 20 febbraio 2020 Angelo Branduardi Official

Angelo Branduardi - Alla Fiera Dell' Est (Live 1977)

Angelo Branduardi est un cantautore (auteur-compositeur-interprèteitalien né le 12 février 1950 à Cuggiono, près de Milan.

Ses musiques sont largement inspirées des musiques du monde ainsi que des œuvres médiévales ou baroques.

Angelo Branduardi est né dans une petite ville de la province de Milan, Cuggiono. Sa famille s'installe rapidement à Gênes où il étudie le violon au Conservatoire Niccolò Paganini, avant d'être engagé comme soliste dans l'orchestre du Conservatoire. Plus tard, la famille d'Angelo Branduardi déménage à Milan, où il rencontre le poète italien Franco Fortini.

Il s'inscrit d'abord à l'Institut technique du tourisme puis suit des cours de philosophie à l’università Statale et commence simultanément à composer des chansons. Au début des années 1970, Angelo Branduardi rencontre Luisa Zappa qui écrira la plupart des textes de ses chansons, et deviendra sa femme.

Multi-instrumentiste (il a lui-même enregistré l'ensemble des instruments pour la musique du film Secondo Ponzio Pilato en 1988), il chante et il joue notamment du violon et de la guitare. L'artiste enregistre son premier album Branduardi en 1974 en collaboration avec Paul Buckmaster ; avec ses ritournelles, ses berceuses et ses danses populaires, le succès et la reconnaissance viennent à la fin des années 1970. Sa musique est généralement décrite comme une sorte de folk-rock d'influence médiévale.

Il interprète en plusieurs langues — italien, français, anglais, espagnol, langues anciennes — les textes de Serge EssenineFrançois d'Assise et consacre un album complet à William Butler Yeats, le grand poète irlandais. Par ailleurs Angelo Branduardi s'est associé à plusieurs reprises aux œuvres du compositeur français Alan Simon (Le petit Arthur, Excalibur la légende des celtes, Gaia...)       angeloLes paroles de ses albums en français sont pour la plupart signées Étienne Roda-Gil. Branduardi a toutefois confié l'adaptation en français de certaines de ses chansons à Pierre Grosz, Serge Sauvé ou Georges Moustaki.
Lors d'une interview accordée le 20 février 2010, Angelo Branduardi avait confié « qu'il y avait peu de chances aujourd’hui pour qu’il chante d’autres chansons en français après la mort d’Étienne Roda-Gil », survenue en mai 2004.
En 2015, toutefois, un album en français, Angelo Branduardi en français - Best of, contient deux inédits dont l'adaptation française a été réalisée par Carla Bruni.

Musicien sans concession, il a souvent fui le devant de la scène pour écrire des musiques de films, enregistrer de la musique ancienne (œuvres de Giorgio Mainerio). Éternel amateur, il est présenté comme l'un des derniers troubadours!!

Si Branduardi qualifie sa musique de « spirituelle », c'est parce qu'il souhaite qu'elle conduise l'auditeur dans une sorte de « voyage intérieur » ; elle semble pourtant simple et c'est peut-être ce qui la rend accessible!! (SUITE SUR WIKIPEDIA)

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20 février 2020

LIGHT IN BABYLON" - "HINECH YAFA"

MERCI A murat özfilizler -    SITE OFFICIEL : http://www.lightinbabylon.com/

L'ensemble ethno-folklorique Light In Babylon, basé à Istanbul, est l'une des dernières exportations musicales de Turquie.
La superbe voix de la
chanteuse Elia Kamal combinée avec le beau son du santur et le jeu de guitare occidental donnent
une expérience hallucinante

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Light in Babylon est un voyage des sens, vers un monde où prôneraient paix, liberté et lumière.

Le trio est composé de la chanteuse, auteure-compositriceMichal Elia Kamal,israélienne d’origine iranienne, de son mari, compositeur et guitariste Français Julien Demarque, et du compositeur et joueur de santour turc Metehan Çifçi. En a découlé un style de musique authentique, situé entre l’Europe et l’Asie.

Le groupe vit à Istanbul où il s’est fait connaître en jouant très souvent dans la rue, comme on peut le voir sur cette vidéo. Nous vous laissons en juger par vous-même!

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18 février 2020

GRAEME ALLWRIHT - "SUZANNE"

MERCI A Nawrass Goeland -   PAIX A L'ÂME DE GRAEME ALLWRIGHT!!!

Graeme Allwright né le 7 novembre 1926 à Wellington (Nouvelle-Zélande) et mort le 16 février 2020 à Couilly-Pont-aux-Dames, fut un acteur, chanteur auteur-compositeur-interprète français d'origine néo-zélandaise. Il est franco-néo-zélandais.

Graeme Allwright est parmi les premiers introducteurs en France du folk américain, dans sa veine protest-song. Il se revendique chanteur, il écrit assez peu, préférant « se glisser dans les mots d'un autre » quand il ressent que le message est commun. Il s'inscrit dans la lignée de Woody Guthrie et de Pete Seeger.

Il a adapté de nombreux textes de Guthrie, parmi lesquels sa première chanson Le Trimardeur (Hard Travelin’), Le clochard américainLa Femme du mineurLa Mouche bleue, etc. Il a également adapté des chansons de Tom Paxton (Sacrée bouteille), Pete Seeger (Jusqu'à la ceinture), Malvina Reynolds (Petites Boîtes) ainsi que de Bob Dylan (Qui a tué Davy Moore ). Ses mots simples et son accent charmeur donnent à ses textes une proximité immédiate, et une force empathique singulière.

Il a également largement contribué, par ses adaptations très fidèles de Leonard Cohen, à faire découvrir ce dernier au public français (SuzanneL'ÉtrangerDemain sera bienetc.)

Cependant, ses propres textes ont également une grande puissance (Les Retrouvailles (Il faut que je m'en aille)JohnnyJoue joue joue, etc.). Politiquement engagé pour la non-violence, contre les essais nucléaires, contre la société de consommation, il écrit ou adapte de nombreux textes de protest-song (le Jour de clartéla Ligne HolworthJusqu'à la ceintureetc.)

Il a également traduit Bob Dylan (Qui a tué Davy Moore ?Blowin' in the wind). Graeme Allwright est également l'auteur de la traduction en français de la chanson de Noël Petit garçon, et est l'auteur de ballades (Ballade de la désescaladeLa berceuse du clochardLa chanson de l'adieuJ'm'envolerai).

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Graeme Allwright fait de sa chanson un art de vivre, une philosophie, et un partage. Ses textes où l'émotion, la dénonciation moqueuse du conformisme ou des injustices et les appels à la liberté se conjuguent à des mélodies « country » ou « blues », remportent l’adhésion d'un public de tout âge.

Graeme Allwright milite contre l'injustice sociale, la main-mise des « grands » sur les faibles, et pour la non-violence. Son œuvre et sa pensée sont fortement imprégnées de la philosophie du penseur indien Sri Aurobindo (la chanson Lumière est un exemple de cette influence). Graeme Allwright prône un changement du monde par un travail de conscience de chacun, plus que par un mouvement révolutionnaire. Il pense que ce monde-ci, matérialiste, doit aller à son terme parallèlement à des mutations évolutives de la conscience humaine, avant qu'un grand changement ne survienne.

COMEDIEN

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16 février 2020

RORY GALLAGHER - " SHADOW PLAY" 1979 - MONTREUX!!

POUR TOUT DECHIRER !!!!!!!!! Too Much Alcohol  -  Artiste : Rory Gallagher

Rory Gallagher (né le 2 mars 1948 à Ballyshannon en Irlande, mort le 14 juin 1995 à LondresAngleterre) fut un guitaristechanteur, compositeur et producteur irlandais de blues rock, connu pour être le fondateur du groupe Taste et pour sa carrière solo.

Il débute comme guitariste professionnel à l'âge de quinze ans, dans le sextuor « Fontana », mais peu de temps après, il le quitte pour créer le groupe Taste, en 1966. Après avoir sorti deux albums, le groupe se sépare et Rory Gallagher poursuit sa carrière en solo en 1971 avec l'album Rory Gallagher. Pendant les années 1970, il atteint la renommée en Europe avec ses albums DeuceBlueprint et Tattoo.

Durant les années 1980, il ne publie que trois albums à cause de problèmes de santé dus à une consommation excessive d'alcool. De plus, à la fin de la décennie, il développe une aviophobie, qu'il ne peut contrôler que par la consommation de calmants. Ces médicaments et la consommation d'alcool lui abiment le foie à tel point qu'il doit subir une transplantation hépatique en urgence. L'opération est une réussite, mais son organisme rejette l'organe. Après des semaines de soins intensifs, il décède à Londres à l'âge de 47 ans.

Les ventes de ses disques sont estimées à plus de 30 millions d'exemplaires à travers le monde

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Rory Gallagher a baigné toute son enfance dans la culture folklorique irlandaise. Il se passionne pour le blues, mais aussi pour le rock d'Eddie Cochran, d'Elvis Presley et de Chuck Berry. Quand Muddy Waters vint enregistrer en Angleterre et qu'on lui demanda avec qui il aimerait jouer, il cita tout de suite Rory Gallagher.

Gallagher fut certainement un des plus grands guitaristes de son époque mais surtout un des plus originaux. Il avait en effet réussi à articuler ses chorus dans une rythmique sous-jacente, ce qui fait que, lorsqu'il partait en solo, on avait toujours l'impression qu'un guitariste rythmique jouait derrière lui. Cette technique terriblement exigeante fait que Gallagher n'a eu que très peu de successeurs, sauf peut-être Stevie Ray VaughanAngus Young d'AC/DC, ou Tommy Emmanuel, dans un autre style musical.

Gallagher fut un extraordinaire virtuose. Parti d'un rock-blues assez rustique dans Taste, il a su très tôt assimiler des influences diverses dans son jeu pour en faire un des plus complets du rock. De plus en plus hard dans les années 1980 (le cataclysmique live "Stage Struck"), il a toujours su garder une sensibilité très bluesy qui le démarque des autres guitar heroes.

À partir de Photo-Finish, en 1978, le son de Rory augmente systématiquement en volume et en puissance. Néanmoins, comme d'autres grands guitaristes des années 1970, il reviendra au blues dès 1987 sur l'album Defender, et surtout sur Fresh Evidence où l'on peut entendre des cuivres, de l'accordéon, de la mandoline et de la national-steel. Sur le disque posthume, Wheels Within Wheels, on peut même y retrouver du flamenco. (TOUTE LA SUITE SUR WIKIPEDIA)

Rory

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14 février 2020

ARISTIDE BRUANT - LE CHAT NOIR" 1911

MERCI A Jean Marbach - Le chat noir enregistré par Aristide Bruant en 1911 disque Pathé 188

Gravures extraites du livre "Chansons et monologues d'Aristide Bruant"

Louis Armand Aristide Bruand dit Aristide Bruant, né le 6 mai 1851 à Courtenay (Loiret)1 et mort le 11 février 1925 à Paris 18e, fut un chansonnier et écrivain français.

Ses chansons populaires, sa présence en scène, sa voix rauque et puissante et sa carrure ont fait de lui un monument de la chanson française réaliste. Il est considéré comme un des plus grands poètes de l'argot de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Il a été l'un des créateurs de la chanson réaliste, mouvement qui a perduré jusqu'au milieu du XXe siècle avec notamment Édith Piaf comme l'une des dernières interprètes. Ce mouvement a laissé des traces durables jusque dans la chanson française contemporaine.

LE CHAT NOIR

Aristide Bruant est alors chanté par des interprètes illustres tels que Paulus et son ami Jules Jouy, qui lui ouvre les portes du Chat Noir en 1881.

Le Chat noir, cabaret artistique à la mode, avait été aménagé par Rodolphe Salis dans un ancien bureau de poste situé au 84, boulevard Rochechouart à Paris.

Pour sa réception au sein de ce cénacle, fréquenté par l'élite poétique, il compose la Ballade du Chat Noir, chanson restée célèbre jusqu'à aujourd'hui. Bruant troque alors le cérémonieux complet-jaquette contre une tenue de garde-chasse, vareuse de velours côtelé noir avec culotte assortie, enfoncée dans de grosses bottes noires, chemise et cache-nez écarlates, en guise de manteau une immense cape noire et, comme couvre-chef, le feutre noir à larges bords que son ami Toulouse-Lautrec a souvent croqué de face, de profil ou de dos. Il explique ainsi sa transformation : « Le guignol est terminé !… Un nouveau Bruant est né !… Et ce Bruant-là va dire deux mots à la foule des fils-à-papa, des fainéants, des incapables !… Il leur criera la haine menaçante des pauvres et des révoltés… ainsi que la douleur blottie dans les bas-fonds… »

Un chanteur en costume de velours, qui met ses bottes sur les tables pour chanter des refrains argotiques, c'est une nouveauté que la clientèle du Chat noir apprécie. Il est applaudi tous les soirs. Le patron de l'établissement ne le paye pas et se contente de l'autoriser à vendre des sortes de petits formats dans la salle, ce qui ne lui rapporte que de maigres revenus.

La fortune ne commence à sourire au chansonnier que lorsque Rodolphe Salis, effrayé par les voyous du quartier, abandonne le cabaret du boulevard Rochechouart, pour installer le Chat noir rue Victor-Massé, une petite rue parallèle au boulevard. Avec mille francs prêtés par un admirateur, il s'installe alors dans un local déserté qu'il baptise le Mirliton, du nom d'un instrument de musique populaire et bon marché.

                    330px_Aristide_Bruant_foto  ARISTIDE BRUANT 1889

LE MIRLITON

Le soir de l'inauguration du Mirliton, il n'y a que trois clients. Dépité, il se met à les insulter copieusement : le public apprécie. C'est ainsi qu'il crée son image de marque. Par opposition au style affecté de Rodolphe Salis, gentilhomme d'opérette, il choisit la grossièreté. Tandis que Rodolphe Salis saluait ses clients du titre de monseigneur, Bruant les appelle crapules. Lorsque Rodolphe Salis affectait la tenue d'un général en civil, Bruant s'habille en gouape. Chez Bruant, pour saluer l'arrivée d'un client, on chante : « Oh c'te gueule, c'te binette. »

Ensuite, debout sur une table, Aristide Bruant donne d'une voix forte ses instructions aux gens du monde par la renommée : « Tas de cochons ! Gueules de miteux ! Tâchez de brailler en mesure. Sinon fermez vos gueules. »

Si quelques jolies dames se montraient offensées, le maître de céans leur parle avec une très grande franchise : « Va donc, eh, pimbêche ! T'es venue de Grenelle en carrosse exprès pour te faire traiter de charogne ? Eh bien ! T'es servie ! » Il ajoutait même parfois : « Vieille vache ! ».

La verdeur de ces propos, ainsi que les affiches qu'il commande à son ami Toulouse-Lautrec, ne sont pas les seules raisons de son succès. On se déplace d'Auteuil ou de Passy pour l'écouter chanter les peines et les joies de la crapule, alors à la mode, avec, à l'époque, les ouvrages des écrivains naturalistes. Son répertoire de qualité se répand en même temps que les œuvres de Zola, de Paul Adam, des frères Goncourt, d'Oscar Méténier ou de Joris-Karl Huysmans.

Au Mirliton, le verre de bière est vendu treize sous, mais devant l'évolution de son public, Aristide Bruant décide d'instituer chaque vendredi une soirée « chic ». Ainsi, le vendredi le verre de bière est vendu cinq francs (cent sous). Des célébrités comme François CoppéeLucien Guitry, le dompteur Pezon font partie des habitués de ces vendredis chics, entourés de bourgeoises endimanchées, ravies de s'entendre injurier par le « grand Bruant ».

Peu à peu, au début du XXe siècle, il se retire de la chanson pour se consacrer à l'écriture, mais continue à donner des spectacles, jusqu'à un ultime retour en 1924, où il fait un triomphe. Il meurt à Paris l'année suivante au 17 rue Christiani en 1925. Il est enterré à Subligny, dans l'Yonne

il écrivit des Dictionnaires d'argot et créa des journaux (Le Mirliton (1885-1906. Mensuel puis bimensuel puis hebdomadaire.et La Lanterne de Bruant, 1897-1899. Publication en livraisons hebdomadaires, 24 pages, dirigée par Aristide Bruant.

Aristide Bruant a écrit des chansons, mais aussi des pièces de théâtre, et des romans. Parmi les romans, on dénombre Les Bas-fonds de Paris, en 4 tomes (Nini Casque d'or, Le Bagne des gosses, Le Bal des puces et À Belleville). etc..
Aristide Bruant a beaucoup enregistré ses propres chansons, ou des « vieilles chansons recueillies et harmonisées par Bruant » ; les sources disponibles attestent de plus d'une centaine d'enregistrements, dont une partie effectuée avant 1906. On peut faire l'hypothèse que les premiers enregistrements de Bruant sont ceux publiés sous sa propre marque — Disques Bruant (Répertoire des disques Bruant enregistré par Aristide Bruant lui-même) —, fabriqués par Orphée ; un catalogue de 56 titres, publié en 1906 au verso d'un recueil des chansons de Paul Delmet. Dans le catalogue Pathé de juin 1912 (disques à saphir de 28 cm) figurent 40 titres enregistrés par Bruant. (TOUTE LA SUITE SUR WIKIPEDIA)

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LE MIRLITON (LOUIS ANQUETIN)                                      ILLUSTRATIONS  DE STEINLEN 

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12 février 2020

RONDO VENEZIANO - " CASANOVA"

MERCI A YouMoreTv - Espectáculo - SITE OFFICIEL : http://www.rondoveneziano.com/

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 Rondò Veneziano est un ensemble musical italien, qui s'inspire de la musique baroque et classique, pour produire une variété pop rock. Le groupe fut créé en 1979 par Gian Piero Reverberi, compositeur et chef d'orchestre appartenant à l'école Génoise. Plus de 25 millions d'albums ont été vendus dans le monde.

 Le répertoire du groupe, large et inspiré de modèles stylistiques très variés, est signé de Reverberi, connu par ailleurs pour avoir arrangé des morceaux pour Fabrizio De AndréLuigi TencoLucio BattistiGino PaoliMinaLucio Dalla et, plus récemment, Eros Ramazzotti.

Très inspirées du baroque vénitien dans les premières années d'existence de la formation, les sonorités ont régulièrement évolué, tant vers le classique que vers un certain impressionnisme musical, au point qu'il est très malaisé de ranger le groupe sous une étiquette précise.

 Après avoir enregistré près de 25 albums entre 1980 et 2002, l’activité de l’ensemble porte actuellement sur la scène, essentiellement en Europe.!

Rondò Veneziano naît au printemps 1979, sur une idée conjointe de Freddy Naggiar (Baby Records) et du compositeur Gian Piero Reverberi. Ce dernier quitte ainsi la RCA italienne pour Baby Records, où il va collaborer avec Al BanoRomina Power, Pupo et Ricchi e Poveri.

Le projet initial visait à créer une formation instrumentale italienne, dans la lignée de ce qu’avaient pu proposer Angelo Branduardi ou Stephen Schlaks. Reverberi opta pour une solution aux frontières du baroque et de la pop.

La restauration du carnaval vénitien, à la fin des années 1970, contribua à faire du caractère à la fois festif et mondialement connu de Venise un thème essentiel d’inspiration. Pour matérialiser l’atmosphère baroque, les musiciens solistes se présentent en habits à la mode du XVIIIème siècle, avec perruques. Ces éléments avaient pour but de renforcer l’impact auprès du public et de rendre le groupe immédiatement reconnaissable.

Les quatre premiers morceaux (dont Rondò VenezianoSan Marco et Andante Veneziano) furent enregistrés sous la direction de Reverberi au Varirecording Studios (Milan), avec un orchestre symphonique de Gènes, ainsi qu’un batteur et un bassiste de ses connaissances. Ces premiers morceaux plurent à la Baby Records, et cinq autres compositions vinrent s’y ajouter pour constituer un premier album : Rondò Veneziano.

Si l'album était prêt dès l’hiver 1979, il ne fut publié que l’année suivante, pour préparer une stratégie commerciale plus efficace.

Le 22 février 1980, le morceau Rondò Veneziano fut choisi par Silvio Berlusconi, sur le conseil de Freddy Naggiar, pour ouvrir et clore les programmes de la récente Canale 5, attisant ainsi la curiosité des téléspectateurs pendant près d’un an, puisque le morceau était diffusé six fois par jour, et que ni son nom, ni sa provenance n’étaient mentionnés. (SUITE SUR WIKIPEDIA)

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10 février 2020

MYLENE FARMER - " TU NE LE DIS PAS" - 2012

MERCI A fara dent -  SITE OFFICIEL : https://www.mylene.net/

Il nous faudra du courage
MaisTu ne le dis pas !
Inévitable naufrage
MaisTu ne le dis pas !Et là

Voir le monde se défaire
MaisTu ne le dis pas !
Quoi Qu'il n'y a plus rien à faire
Que tout vole en éclats
Mais où va le monde
Mais où est ma tombe
Mais que devient le monde
Un tout qui s’effondre
L'aube a comme un goût de brume
MaisTu ne le dis pas !
L'espérance se dénude
MaisTu ne le dis pas !
Et làQue n'ai-je un pinceau d'écume
Pour peindre un au-delà
MoiJe sais bien pourquoi la lune n'a
Plus le même éclat
Mais où va le monde
Mais où est ma tombe
Mais que devient le monde
Un tout qui s’effondre
Mais où va le monde
Mais où est ma tombe
Mais que devient le monde
Un tout qui s’effondre
Il me faudra un courage
mais tu ne le dis pas
Inévitable naufrage

Mylène Farmer, de son vrai nom Mylène Jeanne Gautier, née le 12 septembre 1961 à Pierrefonds, au Québec, est une auteure-compositrice-interprèteproductrice et actrice franco-canadienne.

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Révélée en 1984 avec le titre Maman a tort, elle connaît au fil des années un succès considérable dans les pays francophones et en Europe de l’Est. Apparaissant rarement dans les médias et refusant de communiquer sur sa vie privée, elle a construit avec Laurent Boutonnat un univers musical singulier, notamment à travers ses clips ambitieux et ses concerts spectaculaires, ainsi qu'avec ses textes, dans lesquels abondent doubles sensallitérations et références littéraires ou picturales.

Artiste féminine française ayant vendu le plus de disques depuis les années 1980(plus de 30 millions) elle est également l'artiste ayant classé le plus de titres à la 1re place du Top 50 (20 chansons n°1) ainsi que dans le Top 10 (57 titres).

En 2013, Mylène Farmer est classée première parmi les chanteurs français aux plus gros revenus annuels, avec 4,7 millions d’euros

La chanteuse fait également son retour sur scène en juin 2019 dans la plus grande salle d'Europe, à Paris La Défense Arena, pour une série de neuf concerts intransportables, réunissant plus de 235 000 spectateurs.

Défini par la critique comme « le plus grand show jamais monté en Europe », le spectacle bénéficie d'une diffusion au cinéma le 7 novembre dans 18 pays, réunissant 155 000 spectateurs en une seule soirée (un record pour ce genre d'évènement).

Le DVD Live 2019 est quant à lui certifié double diamant en trois semaines

La chanteuse collabore dès ses débuts avec Laurent Boutonnat qui compose sa musique et réalise ses premiers clips.

Les textes qu’écrit Mylène Farmer sont imprégnés de thèmes récurrents comme le sexe, la mort, la religion ou l’amour, et contiennent souvent des références à des écrivains tels que Charles BaudelaireEdgar Allan PoeLuc DietrichPierre ReverdyFrancesco AlberoniOscar WildeVirginia Woolf ou encore Primo Levi, mais également à des peintres, comme Egon Schiele.

Sa musique a habituellement une tonalité pop, parfois accentuée de rythmes dance / electro ou rock.

Ses premiers clips sont de véritables courts-métrages (la version intégrale de Pourvu qu’elles soient douces dure près de 18 minutes). Réalisés par Boutonnat, Luc Besson (Que mon cœur lâche), Abel Ferrara (California), ou encore Ching Siu-tung (L'Âme-Stram-Gram), ces vidéos ont largement contribué au succès de la chanteuse. Il est cependant arrivé à deux reprises que les chaînes de télévision censurent un de ses clips au contenu jugé trop explicite : Beyond My Control et Je te rends ton amour. Ce dernier, privé de diffusion dans son intégralité, sortit par la suite dans les kiosques au profit de la lutte contre le SIDA.

Désormais, Éloignée du monde du show-business, elle ne se déplace alors plus qu’aux remises de prix attribués par le public, et refuse (à de rares exceptions près) toute soirée mondaine. Par ailleurs, la chanteuse n'accorde que peu d’interviews, estimant que ce qu’elle a « à dire se trouve dans [s]es chansons », et décline systématiquement d'autres reconnaissances pourtant prestigieuses comme la Légion d’honneur, sa statue au musée Grévin, son nom dans le dictionnaire!! (TOUTE LA SUITE SUR WIKIPEDI ET SITE OFFICIEL)

2019s207 CONCERT 2019

 

 

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08 février 2020

JANIS JOPLIN - " THE ROSE "

MERCI A yahita2211  - The Rose est un film américain de Mark Rydell sorti en 1979.

Le film décrit le destin tragique d'une chanteuse de rock, prisonnière de l’alcool et subissant la pression de la célébrité et des tournées. Épuisée par ce train de vie, elle choisit de donner un dernier concert dans sa ville natale, mais ne pourra pas l'achever. Le rôle principal est tenu par Bette Midler.

Écrit en 1973 par Bill Kerby, le premier scénario était un biopic sur la chanteuse américaine Janis Joplin, au point que le projet s’intitulait The Pearl, quasiment le titre de son album posthume, sorti début 1971

Certains disent que l'amour est une rivière
Qui submerge le fragile roseau.
Certains disent que l'amour est une lame
Qui fait saigner votre âme.
Certains disent que l'amour est un désir ardent,

Un besoin qui fait souffrir sans cesse.
Je dis que l'amour est une fleur,
Et toi son unique graine.

C'est un coeur qui a peur d'être brisé
Qui n'apprend jamais à danser.
C'est un rêve qui a peur de prendre fin
Qui ne saisit jamais sa chance.
C'est celui qui a peur de se laisser aller,
Qui ne semble pouvoir donner,
Et une âme qui a peur de mourir
Qui n'apprend jamais à vivre.

Quand la nuit a été emplie de solitude
Et que la route a semblé trop longue
Et que tu penses que l'amour n'est fait que
Pour ceux qui ont de la chance et qui sont forts,
Souviens -toi simplement qu'en hiver

Sous la neige glaciale
Repose cette graine qui grâce à l'amour du soleil
Au printemps deviendra une rose.

Janis Joplin (née le 19 janvier 1943 à Port ArthurTexas et morte le 4 octobre 1970 (27ans) à Los Angeles) fut une chanteuse américaine.

Surnommée la « Mama Cosmique » ou « Pearl », elle s'est d'abord illustrée, à la fin des années 1960, en tant que chanteuse du groupe d'acid rock psychédélique Big Brother and the Holding Company et, plus tard, comme artiste solo avec ses groupes d'accompagnement, The Kozmic Blues Band et The Full Tilt Boogie Band.

Janis Joplin marque les esprits par ses performances vocales et sa présence scénique, « électrique » pour ses fans. Au sommet de sa carrière, elle est « la reine de la soul psychédélique » et « Pearl » pour ses amis. Elle a été également arrangeur, peintre, danseuse et musicienne.

Le magazine Rolling Stone a classé Janis Joplin 46e sur sa liste des 100 plus grands artistes de tous les temps et 28e parmi les 100 plus grands chanteurs de tous les temps.

                         janis_joplin

Janis Joplin, « Pearl » à cause de son boa rose et de ses colifichets tape-à-l'œil, a voué une admiration inconditionnelle à Bessie Smith, l'impératrice du blues. Janis a payé elle-même l'inscription sur la tombe, jusque-là anonyme, de la chanteuse : « La plus grande chanteuse de blues au monde ne cessera jamais de chanter – Bessie Smith 1894-1937 ».

Janis a marqué les esprits par sa voix très maîtrisée, puissante et nuancée, avec une tessiture assez étendue et un timbre de voix particulièrement rocailleux, différant quelque peu des styles folk et jazz des artistes blancs de l'époque, ainsi que par ses thèmes lyriques tournant autour de la souffrance et de la perte.

Pour beaucoup, elle a personnifié le Flower Power des années 1960, et le son de San Francisco. Son style de vie et ses accoutrements, sa façon rageuse et déglinguée de s'exprimer au féminin, ont bouleversé le monde du rock. 

On l'associe souvent à Jimi HendrixJim Morrison (les sacrifiés du Summer of love) et Brian Jones, tous les quatre morts à vingt-sept ans, après une courte vie mais une fulgurante carrière, évoquant l'existence d'un Club des 27.

Peu reconnue par sa ville natale de son vivant, Janis Joplin y sera célébrée plus tard : en 1988, sa vie et son œuvre sont récompensées à Port Arthur, où un musée, portant son nom, abrite notamment une sculpture en bronze, la représentant, due à Douglas Clark (en). (TOUTE LA SUITE SUR WIKIPEDIA)

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